Interview de scénario de rêve : Kristoffer Borgli à propos de sa collaboration avec Nicolas Cage

Jonathan Sim de ComingSoon s’est récemment entretenu avec le réalisateur Kristoffer Borgli, qui a réalisé le nouveau film A24 Dream Scenario, avec Nicolas Cage dans le rôle principal.

« Le malheureux père de famille Paul Matthews voit sa vie bouleversée lorsque des millions d’étrangers commencent soudainement à le voir dans leurs rêves », lit-on dans le synopsis officiel. « Lorsque ses apparitions nocturnes prennent une tournure cauchemardesque, Paul est obligé de naviguer dans sa nouvelle célébrité. »

Jonathan Sim : Quels étaient les thèmes que vous vouliez explorer lorsque vous écriviez le scénario de (Dream Scenario) ?

Kristoffer Borgli : Eh bien, tout a commencé avec le personnage qui m’intéressait, ce personnage que j’avais en tête, celui d’un universitaire d’âge moyen qui se sent en droit d’être reconnu pour un travail qu’il n’a même pas écrit. C’était un personnage qui me tenait à cœur et je voulais faire quelque chose avec ça.

Puis – de l’autre côté – je jouais aussi avec des idées, comme… je voulais faire quelque chose avec des rêves. Je voulais faire ça depuis toujours. Et je lisais sur Carl Jung et l’inconscient collectif, qui est une sorte de théorie expliquant pourquoi nous avons des idées, des symboles et des histoires qui émergent en même temps, dans différentes parties de la planète au même moment de l’histoire.

Et l’idée étant qu’il existe une sorte de connexion cosmique entre notre esprit et notre conscience qui, vous savez, m’a amené à penser à Nightmare on Elm Street, Twilight Zone et HP Lovecraft, et à ce type de mystère de haut niveau. Je voulais extraire une telle idée de son genre et la placer ailleurs.

J’ai pensé à ce personnage que j’avais en tête, ce professeur d’âge moyen. Et si c’était quelque chose qui lui était arrivé ? À quoi cela ressemblerait-il si nous le regardions honnêtement à travers le prisme de notre culture actuelle ? Et c’est ainsi que toute cette histoire a commencé à se dérouler.

Comment était-ce de travailler avec Cage pour développer un personnage comme Paul Matthews ?

C’est un personnage sur le papier censé être banal et fade et quelqu’un de socialement maladroit, une sorte de mâle bêta. Et le défi de choisir Nicolas Cage, qui est peut-être l’une des personnes les plus reconnaissables de la planète avec (…) un charisme naturel, est devenu un énorme défi. Nous avons travaillé ensemble sur la question suivante : comment pouvons-nous donner vie à Paul Matthews ? C’est quelque chose qui devrait en quelque sorte aller à l’encontre des instincts naturels de Nicholas Cage, car il l’a dit lui-même : c’est le personnage qui me ressemble le moins.

Et donc, nous parlions justement de la façon dont un père de banlieue socialement maladroit se comporte et à quoi ressemble-t-il ? Par exemple, nous voulions faire disparaître un peu Nicolas Cage – l’icône. Donc dans le film, il est chauve, il porte, vous savez, des vêtements de papa extrêmement normcore. Il portait même une prothèse de nez dans tout le film. Tout, toutes ces petites choses, tous les détails étaient destinés à garantir que nous ayons ce genre de sentiment étrange de voir quelqu’un qu’on n’avait jamais vu auparavant.

Avez-vous déjà eu l’impression qu’il y avait des parallèles entre Paul Matthews et ce personnage que Nicolas Cage a développé au fil des ans ?

Oh, certainement. Je veux dire, je pense que l’une des raisons pour lesquelles Nicolas Cage voulait faire le film était qu’il pouvait s’y identifier à un niveau personnel. Vous savez, pour moi, j’ai vu Nicolas Cage devenir une sorte d’icône mythique de la culture. Et il a été mémorisé, il est devenu une sorte d’idée. Et cette idée a changé au fil des décennies. Ce n’est plus sous le contrôle de Nic Cage, la personne.

Nous avons donc ici un grand écart entre la personne, le personnage et la représentation de soi, ce dont parle exactement le film. Il s’agit de quelqu’un qui commence à vivre dans la tête de tout le monde hors de son contrôle et tout le monde a une opinion sur lui à cause de ce qu’il voit dans ses rêves. Pour moi et pour lui, cela faisait écho à ce qui s’était passé avec Nicolas Cage.

Quels sont les films qui ont inspiré Dream Scenario et votre style de réalisation ?

C’est un peu difficile à quantifier. Je pense que beaucoup de films que j’ai regardés au début de mon adolescence en travaillant dans un club vidéo sont devenus en quelque sorte ce que j’appelle mes créateurs d’ambiance. Ils ont donné le ton et l’ambiance du type de film que j’ai aimé. Et, au début, les personnes qui ont vraiment eu une grande influence étaient Lars von Trier, bien sûr, étant Scandinave. (Et) David Lynch, Luis Buñuel – ils ont tous traité de l’humour, de l’obscurité et de la logique du rêve de différentes manières que j’apprécie.

Comment c’était de filmer quelques-unes de ces séquences de rêve que l’on voit dans le film ?

En ce qui concerne la construction de ces scènes de rêve dans le film, ce qui était important pour moi, c’est que le public puisse vivre ce que vit le rêveur. Cela signifie que lorsque nous rêvons, nous éteignons notre scepticisme et nous acceptons les choses les plus absurdes comme logiques. Mais lorsque vous vous réveillez et que votre cerveau éveillé fonctionnant normalement se souvient en quelque sorte du rêve, vous ressentez une sensation différente. Cela semble soudain ridicule. Pourquoi ai-je eu peur dans un rêve si ridicule ? Je voulais donc éviter cela. Je voulais que le public ressente ce que vit le rêveur. Il y avait donc une limite au degré d’abstraction ou d’étrangeté du rêve avant qu’il ne commence à paraître ridicule. Je voulais que les enjeux et la tension à l’intérieur du rêve semblent logiques pour une personne éveillée, vous savez, qui est éveillée.

C’est donc devenu une excellente sorte de carte pour moi pour rester avec lui. Et puis tourner ces scènes était comme un grand plaisir en tant que réalisateur. Je peux construire ces mini-films que je pourrais faire et qui pourraient être, je pourrais tout faire. Je pourrais avoir un énorme tremblement de terre avec 300 figurants. Je pourrais avoir de vrais alligators vivants à l’intérieur d’une maison. Toutes ces choses qui n’auraient normalement aucun sens dans mes scripts. J’ai donc dû vraiment jouer en tant que réalisateur. J’ai pu m’amuser avec des choses visuellement juste extrêmes et exaltantes. Et tout ce que vous voyez dans le film est filmé. Il n’y a pas d’effets spéciaux. Tout est pratique. Alors étant sur le plateau ces jours-là, j’étais en présence de vrais alligators. Nous transformions tout cet immense espace en un tremblement de terre avec des gens assommés, des gens tombant, vous savez, du deuxième étage jusqu’au sol et des explosions et tout. C’était juste une grande joie.

Qu’espérez-vous que le public qui regarde ce film en retienne ?

J’ai l’impression que l’un des aspects, s’il y a un message dedans, j’ai l’impression qu’il s’agit d’apprécier ce qui est juste devant vous. Et ne pas rechercher une validation externe comme moyen de se valoriser et que, vous savez, ce personnage regarde l’espace négatif de sa vie. Il regarde ce qui manque, même s’il semble avoir une très belle vie, et il doit parcourir tout le parcours de ce film pour réaliser que ce qu’il avait au début était plus que suffisant.

Et je pense qu’il traverse tout cela pour que nous, le public, n’ayons pas à le faire, mais en fin de compte, je veux que le public vive une expérience vraiment amusante. Je veux que ce soit un peu mystérieux. Je veux que les gens emportent le film chez eux et le laissent vivre dans leur tête, avec un peu de chance, ils font des rêves étranges après. Je veux qu’ils soient inspirés par l’art et la créativité.